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师说•赵刚|从“术”到“艺术”:摄影的艺术之路

时间:2020-03-03 来源: 作者: 点击数: 字号: 打印

将于3月5日开课,今天提前分享一篇该课程主讲老师之一、《世界摄影美学简史》作者赵刚老师的文章——《从“术”到“艺术”:摄影的艺术之路》,快速了解摄影艺术发展之路。






赵刚



英国摄影硕士,曾经担任北京奥运会组委会摄影专家,快乐赛车赌博出版社副社长等职,多年来专注于摄影创作及史论研究,著有《世界摄影美学简史》、《留学摄影》等。






十九世纪三、四十年代,“达盖尔法摄影术”和“塔尔伯特法(卡罗法)摄影术”相继问世,拉开了人类“影像时代”的大幕。


摄影最初是作为“术”出现的——对人类视觉固化的科学手段,而且是具有发明专利的新技术。面对这样一种工业革命之后科学的产物,迅即出现了“摄影是不是艺术”的争论。


当时,人们普遍认为艺术来自“灵魂与双手”,而对于源自冰冷的机械(光学镜头、感光乳剂)和规范化操作得到的影像,缺乏审美经验。


画意摄影作品《利物浦印象》


为了寻找进入艺术圣殿的道路,童年期的摄影很自然地向当时艺术界的代表、又同为平面艺术的绘画学习。世界各地的摄影组织纷纷以绘画艺术为榜样,在摄影比赛、展览与评论中“移植”绘画的评判标准。


这样一来,摄影从审美标准到实施途径,明确了“画意”的走向。第一个世界性的摄影美学——“画意摄影”(Pictorialism)在十九世纪五十年代出现。


 “画意摄影”的发展大致可以分为三个阶段:第一个阶段是盛行于十九世纪五十年代至八十年代的“高艺术”摄影时期(HighArt);第二个阶段为十九世纪八、九十年代的“自然主义”时期(Naturalistic Photography);第三个阶段是十九世纪九十年代以后至二十世纪之初,以英国“连环会”(The Linked Ring)、美国“摄影分离派”(Photo Secession)为代表的“后画意时期”


“画意摄影”在第一次世界大战前后,逐渐退出历史舞台。客观地看,这个以绘画为艺术榜样的摄影美学,大大促进了摄影手段和摄影语言的丰富,推动了社会公众对摄影艺术可能性的认识。


正是在摄影这第一个艺术发展期,人们逐渐认识到,摄影具有一种源自科技的、不同于以往其他艺术形式的审美力量,因此不必对绘画亦步亦趋。


《盲妇》,保罗·斯特兰德摄于1916年


于是,从二十世纪二十年代前后到五十年代初,摄影进入了“本体”探索期,展开了基于摄影两大基本特性——“原真的拷贝(记录性)”、“时间的切割(时间性)”的美学探究。


对“记录性”的研究,诞生了美国“直接摄影”(Straight Photography),在德国则出现了类似的“新客观主义”(NewObjectivity);对“时间性”的研究,出现了法国摄影大师亨利·卡蒂埃-布列松(Henri Cartier-Bresson)1952年提出的“决定性瞬间”理论(Decisive Moment)。


德国新客观主义代表作《自然的艺术形态》画册

《圣拉扎尔火车站后面》,亨利·卡蒂埃-布列松摄于1932年


这两大探索构成了摄影本体美学体系的主干,确立了摄影的基础审美。在这个本体探索时期,摄影的影响力继续放大,摄影的艺术身份进一步受到了艺术界与社会公众的关注。


二十世纪五十年代后半期,随着罗伯特·弗兰克(Robert Frank)的《美国人》(The Americans)、威廉·克莱因(William Klein)的《纽约》(New York)这两本摄影集的出版,摄影开始发生革命性的变革:从个人体验出发,观看并表达自身感受,摈弃了摄影作为“公共观看”的身份;通过对生活常态和平庸无聊的展示,质疑意识形态化的“高大上”的影像;粗糙暴戾、开放多义化的图像,代替了优雅精致、指向明确的图像。摄影的“个人化”、内容的“日常化”、影像的“粗糙多义化”,深刻地影响了此后的摄影走向。


《纽约,1966年》,李·弗莱德兰德摄于1966年


戴安·阿勃丝作品


二十世纪六、七十年代被称为摄影的“新时代”。此时居于世界艺术核心地位的美国出现了“新风景”、“新纪实”、“新彩色”、“新地形学”、“私摄影”等一系列新思想和新实践。


具有“新时代”代表性的4个摄影展和1本摄影集,显示此时的摄影艺术沿着四个方向展开探索:一是关于“风景”——形成了从“社会的风景”到“新地形学”(批判的风景)的理念;二是关于“纪实”——出现了与长期以来具有社会变革意图的纪实摄影大为不同的“新纪实”,即走向“个人化”的艺术家的纪实;三是关于“彩色”——确立了“彩色摄影”的艺术地位;四是关于“私摄影”——确立了摄影家通过私人影像(视觉日记)来达成公众视觉文献和艺术创作的新途径。这些重大探索,对当代摄影影响深远。


在这一时期,美国形成了集艺术家、画廊、艺术评论家、专业媒体、艺术机构、高等院校、收藏家等为一体的强大的系统化的“艺术体制”,并依靠巨大的艺术影响力与雄厚的资本,发展成为一种“世界的艺术体制”。摄影的艺术地位最终得到公众和市场的承认。


《无题(红色天花板)》,威廉·埃格斯顿摄于1973年


二十世纪七十年代以后,摄影进入当代摄影时期,展现出极为丰富多样的形态。


摄影一方面作为当代艺术领域中极具生命力与扩张性的艺术媒介,突破“摄影”身份的藩篱,在“当代艺术”这个大框架之下,与其他各种艺术媒介融合演变;另一方面摄影作为“摄影”——一个仅有一百多年历史的年轻的艺术媒介,继续探索自身的艺术疆界与可能性。


当代摄影的发展既受到内在艺术基因的驱动,同时前所未有地受到资本和市场的影响。艺术与资本,成为理解当代摄影的两个入口


值得注意的是,当代摄影前所未有地“大型化”:为了适应艺术馆、博物馆等艺术场所的大型空间,同时适应艺术市场运作的需要,当代摄影常常以大作品、大展览的面貌出现,彻底终结了摄影在绘画面前的“自卑”。


因应这股大潮,“大画幅+彩色”成为当代摄影的主流形态。摄影从此前热衷于使用小型照相机对世界的“快速一瞥”,逐渐演变为用大画幅照相机对世界进行“凝视端详”。


《莱茵河,作品2号》,安德列斯·葛斯基摄于1999年


这种完全不同于以往大画幅的新型摄影美学,确立了“巨场效应”、“仪式感”等新的美学要点,而对摄影最基础关系——“被摄者-照相机-摄影者”三者关系的重新审视,使得摄影艺术发展早期流行的“布景摆拍”重回人们视线,进而触发了新的艺术可能性。


从“术”到“艺术”——技术变革与时代思潮变化,一贯地推动摄影艺术的发展。从摄影证明“这个存在过”,到当代摄影的“这个‘可能’存在过”,数字化、虚构化正在改变摄影本身。摆脱了“实证”束缚的摄影艺术,正走向更广阔的未来。





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赵老师

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